Los mandamientos al filmar películas, según Zack Snyder

Zack Snyder

 1. No hay reglas
Cada trabajo, cada historia, cada toma es diferente. Y cada vez que lo hagas, debe ser como si fuera la primera vez.

2. La voluntad de sufrir
Esta es una frase que le debo a mi amigo Marc Twight. Él solía referirse a escalar una montaña, diciendo que la persona que puede soportar el mayor dolor será la que triunfe al final. Eso se aplica a dirigir películas también.

3. Tu punto de vista
Es aquello que está bien o está mal, pero es algo que no se puede meter en la caja de la técnica. Es el tono y la textura de la historia. Es la forma personal que tiene cada uno de mirar las cosas, y eso es lo que nos hace diferentes. Es el porqué de que veamos películas.

4. Storyboard
Los storyboards no están hechos para todo el mundo. De hecho, algunas películas sufren mucho el proceso del storyboard. Pero para mí, es cómo se hace una película, es cómo se estructura una escena. No es una lista, es una secuencia editada. Y a pesar de que a partir de ahí se pueden cambiar cosas, siempre es un buen punto de referencia para empezar.

5. Las películas son imágenes 

Para mi, el estilo visual tiene la misma importancia que la historia, como personaje y como ambientación. Al final, la película son una serie de imágenes e intento ser consciente de ello en todo momento.

6. Respeto
Respeta el material, respeta el proceso, respeta al público, y sobretodo, respeta al incontable equipo de personas que se rompe la espalda ayudándote a llevar tu visión a la gran pantalla. Todo el mundo tiene un valor inmensurable, y cuando se trata de hacer una película, nunca des eso por hecho.

7. Tira cosas 

No a las personas, solo para divertirte. En el set eso significa: Fútbol, pelotas de tenis, piedras, rollos de cinta, cualquier objeto, no importa. Entonces dispara a: Una persona, un cono naranja, una basura lejana y así muchas veces, no importa. Al menos para mi, cualquier versión de tirar cualquier cosa es una buena forma de relajarme.

8. Filma con película 

Siempre ruedo con película (film), y entonces lo paso a digital. Soy el primero en admitir que el futuro de las películas estará guiado por la tecnología digital. Pero la realidad es que las cámaras digitales aún no pueden replicar el efecto de rodar con celuloide. Llámame purista, pero eso es lo que pienso.

9. Pasión
Es imposible duplicar la pasión original del proyecto con la que tienes durante el proceso. Pero si puedes recordar el sentimiento de esa llama original de excitación, serás capaz de mantener tu feracidad creativa a lo largo de todo el rodaje.

10. Realiza cada toma 

Esto tiene que ver con lo que decía del punto de vista. Eso no quiere decir que una segunda unidad no pueda rodar mejor, pero hacerlo tú mismo le da a la película un tono consistente.

Zack Snyder
Director y Productor de Cine:
"300", "Watchmen" y "Man of Steel"
son algunas de sus películas.

cc) PSICOTRAMPAS

Cómo hacer Cine _ de Alejandro Jodorowsky

Alejandro Jodorowsky

PRIMERA LECCIÓN
Sentarse desde que amanece hasta que anochece frente a un árbol sintiendo la luz. Volver siete días seguidos y hacer lo mismo.

SEGUNDA LECCIÓN
Volver en la noche con una linterna e iluminar el árbol desde infinitos puntos.

TERCERA LECCIÓN
Colocarse a un kilómetro del árbol. Mirarlo fijamente y avanzar centímetro por centímetro hacia él hasta que después de algunas horas se tope la corteza con la nariz.

(Las dos primeras lecciones sirven para desarrollar el sentido de la luz. La tercera para desarrollar el sentido de la distancia.)

CUARTA LECCIÓN
Colocarse en un interior o paisaje y moverse pensando que el propio pecho fotografía, luego que la cara fotografía, luego el sexo, luego las manos.

QUINTA LECCIÓN
Ponte en un lugar y siente que eres el centro de él. Luego siente que estás siempre en la superficie alrededor del lugar. Al final rompe la idea de centro y superficie. Estás ahí, todo está en ti y fuera de ti al mismo tiempo. Eres aparte del lugar. Existe el lugar. ¡Tú has desaparecido!

SEXTA LECCIÓN
Busca el color en lo que no tiene color. Toma una página blanca y ve sus colores. Toma una página negra y ve sus colores. Ve los colores de un vidrio transparente. Descubre el arco iris en un pedazo de tierra, en un escupo, en una hoja seca. Expresa el color con materiales sin color. En verdad te pregunto, ¿sabes cuántos colores tiene la piel de tu cara?

SÉPTIMA LECCIÓN
Siente las yemas de tus dedos como si fueran la punta de tu lengua. Apoya las yemas en los objetos del mundo pensando que son frágiles, que la menor presión los puede quebrar. Pídeles permiso antes de tocarlos. Antes de apoyar los dedos en su superficie, siente cómo penetras en su atmósfera. Aprende a sentir y a acariciar con respeto. Cualquier acción que hagas en el mundo con tus manos o tu cuerpo puede ser una caricia.

OCTAVA LECCIÓN
Piensa que los actores viven dentro de un cuerpo como centro de una caverna. Pídeles que no griten con su boca, sino dentro de su boca. Que no expresen con la cara, sino que sientan debajo de la cara. cuando me desespero, desde adentro, doy puñetazos dentro de mi pecho que está inmóvil frente a la cámara. No me expreso con movimientos, sino con vibraciones. Vivo debajo de la superficie. La superficie del río no se mueve, pero tú sabes que lleva corrientes profundas.

NOVENA LECCIÓN
No importan los movimientos de la cámara. Ella debe moverse sólo cuando no se puede quedar quieta. Tú llevas el alimento en la mano. La cámara es un perro. Hazla que con hambre siga al alimento. El hambre hace que el animal se borre. No hay perro, hay hambre, no hay cámara. Hay acontecimientos. Nunca te puedes comer la manzana entera en el mismo instante. Tienes que dar mordiscos. Mientras comes tienes una parte. Debes saber que el trozo que mascas no es la manzana entera. Nunca puedes tener la manzana entera en la boca porque por muy grande que sea tu boca, no puede caber en ella el fruto que es parte del árbol ni el árbol que es parte de la tierra. La pantalla es tu boca. Allí entran pedazos. Partes del accidente. No intentes trabajar con tomas absolutas. No creas que existe la toma mejor. A la manzana la puedes morder en cualquier sitio. Si la manzana es dulce, no importa por dónde empieces a comerla. Preocúpate de la manzana, no de tu boca. ¡Cineasta! Antología de fragmentos, tú también un fragmento; tu película inconclusa, eres parte, eres continuación. No hay cierres. Mata la palabra fin. Empezarás una película el día en que te des cuenta que simplemente continúas. No busques el prestigio. Desdeña los efectos. No adornes. No pienses lo que la imagen va a producir. No la busques. Recibe las imágenes. La caza está prohibida. La pesca permitida.

DÉCIMA LECCIÓN
Nunca trabajes en el papel tus movimientos de cámara. Llega a los sitios pensando que no vas a mover la cámara, que no vas a iluminar, que no vas a inventar. Llega vacío, sin la menor intención. Echa a andar el motor de la cámara y vive. No crees escenas, crea accidentes. Esos accidentes no los crees en dirección a la cámara. Tú no estás haciendo una película, estás metido en un accidente. Parte del accidente son tus movimientos de la cámara.

DÉCIMO PRIMERA LECCIÓN
Y de pronto el gran placer. Una toma pensada con la cámara opinando con luz artificial, con "Actuaciones" (¡un verdadero postre!).

En verdad te digo, por este camino puedes llegar a hacer películas de Hollywood de los años 40. si quieres ser un gran cineasta de vanguardia, vuelve a filmar "Lo que el viento se llevó", exactamente igual, con actores de cuerpos gemelos a los de Clark Gable y Vivien Leigh. Si logras que tu películas no pueda distinguirse de la original, has pasado a la historia.

-Alejandro Jodorowsky-

ALEJANDRO JODOROWSKY
Director de Cine, Escritor, Actor, Músico, Psicomago.

(cc) PSICOTRAMPAS

Animación se dice GHIBLI

GHIBLI, la palabra que acompaña la curiosa figura del gato/oso/conejo llamado Totoro (que en realidad es un troll), da nombre al estudio de animación más prestigiado de Japón y del mundo. En 1985 Hayao Miyasaki junto al director Isao Takahata (con el que Miyasaki había trabajado en Toei Animation durante muchos años) y Toshio Suzuki fundaron este estudio cuando decidieron que era momento de trabajar en sus propios largometrajes animados, Ghibli representó la oportunidad de sustituir un currículo principalmente basado en manga y anime, por un mundo fantastico, a momentos triste pero siempre excepcional y deslumbrante.

Hayao Miyasaki
Fundador de Studio Ghibli

Las obsesiones de Hayao Miyasaki son muchas y sus orígenes variados; en sus cintas, las mujeres son fuertes y valientes (un guiño a su madre que, amante de los libros, siempre se reveló ante las convenciones sociales), los personajes vuelan (su padre y su tio eran dueños de una compañía de aviación donde solía pasar sus tardes de infancia) y todo está lleno de vida.
Y es justo en el centro del imaginario de Miyasaki -que muchos asociamos como sinónimo de Ghibli- donde se encuentra esta vida... donde se encuentra el kami o shin, un concepto derivado del Shinto -una religión indígena de Japón- que refiere a una "esencia vital" capaz de adquirir una forma humanoide o animal, y en otras sólo una imagen abstracta.

Es importante detenerse en este concepto porque, prácticamente, el kami invade cada rincón de los filmes de Ghibli, es explícito y lo podemos ver tanto en formas básicas, como en las pelusas vivientes de Mi vecino Totoro (cuando la familia se muda a una vieja casa rural y aparecen miles de bolitas negras), o en El viaje de Chihiro, con la aparición de unos pequeños seres llamados Susuwatari (conejos de pelusa) o en manifestaciones más complejas: el príncipe espantapájaros parlante de El castillo vagabundo o el cerdo piloto de Porco Rosso.

Una característica del estudio Ghibli es que trabaja de manera tradicional (Miyasaki es famoso por su método peculiar de animar agua y fluidos): los cuadros se hacen a mano, y aunque se han integrado nuevas tecnologías como la CGI, una regla inquebrantable dicta que sólo el 10% de las imágenes -por película- pueden ser generadas con este tipo de tecnologías. La animación -entiéndase como técnica o género- no sólo da movimiento a lo estático, sino que efectivamente le da vida, evidenciando la presencia del kami en todos los detalles. Aunque las cintas de Ghibli preservan las técnicas artesanales, ello no significa que el trabajo del estudio se oponga a otro tipo de recursos; tomemos como ejemplo la narrativa de sus películas, que para nada es de corte tradicional.

En el universo animado de Ghibli no hay villanos convencionales, cada figura está cuidadosamente matizada: la mujer que produce hierro y corta árboles en La princesa Mononoke, de igual forma cuida leprosos; el padre de Ponyo muestra amor incondicional por su hija, pero el mejor ejemplo posible es Mi vecino Totoro, que carece de cualquier tipo de figura antagónica.

También cabe mencionar que en esta última, "no pasa nada" en el sentido estricto; las películas firmadas por la robusta figura de Totoro pocas veces obedecen las reglas "normales" de la narrativa. El juego con los tiempos -mucho más lento que el enloquecido ritmo al que nos tiene acostumbrados Hollywood y su cine para niños-, rompe con el carácter lineal de la historia, de manera que las emociones y los lazos con los personajes se construyen de manera distinta. Además, aquí hay pausas, respiros y momentos para contemplar la belleza del kami.

La influencia de Ghibli no sólo es notoria, sino también agradecida: John Lasseter, amo y señor de Pixar, ha dicho en numerosas ocasiones que el trabajo del genio japonés lo ha influenciado más que el de ningún otro. Amigo de Miyasaki, Lasseter se ha convertido en un campeón de cada filme Ghibli (cuyo distribuidor en occidente es Disney) ya que siempre busca dar a conocer cada película a otros mercados.

Pero la relación entre estos dos estudios -Pixar y Ghibli- va mucho más allá de la amistad que sus dos líderes puedan tener, pues no es ningún secreto que Up le debe mucho a El castillo vagabundo, o que cuando Pixar se ve en dificultades para imprimirle kami a alguna escena, siempre recurre a las animaciones tradicionales que sólo Ghibli puede hacer en busca de inspiración. Pero todo esto sólo son curiosidades que no alcanzan a dibujar la influencia que estas cintas y sus personajes han tenido, no sólo en el cine, sino en cada par de ojos que se ha posado sobre ellas. Las heroínas de Ghibli son algo formidable, no sólo evocan humanidad, sino que la redefinen bajo términos que habrían de ser universales, y así podríamos ponerles epítetos: Chihiro "la valiente", Sophie "la sabia", Hamu "la tímida", Kiki "la poderosa", Sheeta "la sobreviviente", San "la guerrera", Setsuko "la inocente", Mei "la imaginativa", Arrietty "la grande, Rikako "la bella"...

GHIBLI characters = fan art

La belleza de los cuadros en cada una de las cintas de Ghibli subraya el kami en cada ola, en cada piedra, en cada pedazo de madera, carbón o ladrillo.  La simple belleza que el estudio ha construido, resulta ser suficiente para ir a dormir tranquilos, sabiendo que vivimos en un mundo donde Ghibli existe.

film: "La Tumba de las Luciérnagas"

film: "Ponyo en el Acantilado"

film: "El Castillo en el Cielo"

film: "Mi vecino Totoro"

film: "La Princesa Mononoke"

film: "El viaje de Chihiro"

(C) / extraido de "Marvin #99" , escrito por Jimena Gómez /

(cc) PSICOTRAMPAS

Los Mandamientos __ Jan Svankmajer

JAN SVANKMAJER
El Decálogo:

1. Ten siempre bien presente que la poesía es una cosa. La antítesis de la poesía es la especialización profesional. Antes de comenzar a hacer una película, métete a escribir poemas, pinta un cuadro, haz un collage, escribe una novela, un ensayo, etc.  Porque solo cultivando la universalidad de la expresión podrás estar seguro de hacer un buen film.
2. Abandónate enteramente a tu obsesión. No hay nada mejor. Las obsesiones son las reliquias de la infancia. Y es en la profundidad de la infancia donde tienen orígenes los tesoros mayores. Procura tener siempre la puerta abierta en aquella dirección.. Pues no se trata de los recuerdos sino de las sensaciones. No se trata de la consciencia sino de lo inconsciente. Deja que el río interior fluya libremente dentro de ti. Concéntrate en ello pero al mismo tiempo relájate completamente. Cuando hagas una película, debes estar 24 horas sumergido en él. Así, todas tus obsesiones, tus fantasías, se transferirán a la película sin que tú tengas consciencia de ello. Y tu película se transformará en un triunfo del infantilismo. Y justamente de eso se trata.
3. Usa la animación como si fuese una operación mágica. Animar no significa mover un objeto inanimado, sino de darle vida. O mejor aún, despertarlo a la vida. Antes de darle vida al objeto, prueba comprenderlo. Comprender no solo su función utilitaria sino su vida interior. Los objetos, especialmente aquellos viejos, son testimonios estáticos de acciones y de destinos diversos que están impresos en ellos. Las personas las tocaron en diferentes situaciones, mientras actuaban bajo varias emociones, y ellas les imprimieron su propio estado mental. Si quieres develar el contenido de estos objetos en una película, debes oír. Algunas veces por muchos años. Pues debes ser primero un coleccionista y sólo más tarde podrás devenir en cineasta. El proceso de dar vida a través de la animación debe ser un proceso natural. Debe partir del objeto mismo y nunca de tu voluntad. ¡Nunca uses la violencia en un objeto! No cuentes tu historia a través de él, sino la del objeto mismo.
4. Cambia continuamente del sueño a la realidad y viceversa. No existe un pasaje lógico para eso. Sólo una operación física existe del paso del sueño a la realidad: abrir o cerrar los ojos. En la ensoñación, incluso eso no es necesario.
5. Se debe decir qué cosa es más importante, si la experiencia del ojo o la del cuerpo, da siempre preferencia a la del cuerpo, porque el tacto es el sentido más ambiguo respecto de la vista, y la experiencia que se recibe a través de él es de mayor importancia. A parte de eso, en nuestra actual civilización audiovisual, el ojo o está cansado o ha sido corrompido. La experiencia del cuerpo es más auténtica, y aún ahí no habita la estetización. El punto de fuga que no debemos perder de vista es, obviamente, la sinestesia.
6. Cuanto más profundo entres en una acción fantástica, más detallista debes ser. En ese punto, es necesario confiar enteramente en tu experiencia del sueño. No te preocupes sobre ser "aburridamente descriptivo", de la obsesión pedante, del ´detalle inútil´, del documentalismo. Debes convencer al espectador de que todo lo que ve en la película le concierne; que no se trata de cualquier cosa que está fuera de su mundo sino al contrario, que todo en la película está inmerso en su mundo, hasta el cuello, sin que él se dé cuenta. Y es necesario que, con todos los trucos cinematográficos que tú posees, debas convencerlo.
7. La imaginación es subversiva porque se opone a lo que es posible y a lo que es real. Por este motivo, usa siempre tu imaginación más desenfrenada. La imaginación es el don más grande que la humanidad ha recibido. Y es la imaginación la que hace al hombre un ser humano, no el trabajo. La imaginación, la imaginación, la imaginación...
8. Por principio, escoge temas de los que tienes un sentimiento ambivalente. Tal ambivalencia debe ser suficientemente fuerte (profunda), incontrovertible, de modo que tu puedas caminar al filo sin caer en un lado o en el otro, o en los dos al mismo tiempo. Solo así evitarás el mayor de los pecados: una película de tesis.
9. Cultiva tu creatividad como una forma de auto-terapia. Tal actitud anti-estética lleva a la creatividad a las puertas de la libertad. Si la creación artística tiene un sentido, es esencialmente el de liberarnos. Ninguna película (pintura o poesía) puede liberar a un espectador si primero no se ha liberado de su propio autor. Todo lo demás es una cuestión de pura "subjetividad común". La creación artística como una liberación permanente.
10. Da siempre preferencia a la creación, a la continuidad del modelo interior o del automatismo psíquico respecto de la idea. Una idea, incluso la mejor, no puede constituir un motivo suficiente para hacer una película. Crear no significa ir tambaleándose de una idea a otra. Una idea se convierte en parte del proceso creativo sólo en el momento en ell que el tema que quieres expresar es comprendido plenamente. Sólo así, las ideas correctas llegarán. La idea es solo uno de los componentes del proceso creativo, no cierto impulso para de repente ser creativo. Nunca trabajes, improvisa siempre. El guión es importante para el productor pero no para ti. Es solo un documento no obligatorio al cual regresar cuando la inspiración te decepciona. Si esto te sucede por más de tres veces durante la filmación de una película, se trata de una señal: o estás trabajando incorrectamente la película o ya está terminada.

Aunque he formulado este decálogo en un papel, no significa que concientemente lo use. Estas reglas, de alguna manera, han aparecido en mis trabajos, pero no los preceden. De todas maneras, las reglas están ahí para ser rotas ( jamás para ser evitadas), . Pero hay una regla que si se rompe ( o peor aún, si se evita), es destructiva para el artista: Nunca subordines tu obra al servicio de otra cosa que no sea la libertad!
Jan Svankmajer

Jan Svankmajer
Director de Cine, Genio de la Animación, Artista Plástico.

(C) / Tomado del libro "The Cinema of Jan Svankmajer: Dark Alchemy (Director´s Cut)" /

film: "Alice"

(cc) PSICOTRAMPAS

BRUCE LEE says:

(CC) / tomado de zenpencils.com

(cc) PSICOTRAMPAS

15 reglas de Pixar para contar buenas historias

1. Admira a los personajes por tratar más que por sus éxitos.
2. Debes tener en mente lo que te interesa como audiencia, no lo que es divertido de hacer como escritor.
3. Escribir de un tema es importante, pero no podrás ver de lo que enserio se trata la historia hasta el final. Entonces, reescribe.
4. Simplifica. Enfócate. Combina personajes. Sáltate los desvíos. Sentirás como que pierdes cosas importantes, pero esto te hará libre.
5. ¿Para qué es bueno tu personaje? ¿Con qué se siente cómodo? Tírale lo opuesto a su camino. Rétalo. ¿Cómo reaccionará?
6. Inventa el final antes de inventar el medio de la historia. Es en serio. Los finales son difíciles, trabájalos de primero.
7. Termina tu historia, aunque no sea perfecta. En un mundo ideal tendrás ambos, pero sigue adelante. La próxima vez lo harás mejor.
8. Cuando estés atascado, haz una lista de lo que NO pasaría después. Muchas veces el material para desatascarte llegará.
9. Aparta las historias que te gustan. Lo que te gusta de ellas es una parte de ti. Debes reconocer esto antes de usarlo.
10. Ponerlo en papel te ayuda a comenzar a arreglarlo. Si esa idea perfecta se queda en tu cabeza, nunca nadie más la conocerá.
11. Descarta lo primero que se te viene a la mente. Y lo segundo, lo tercero, lo cuarto y lo quinto. Quita lo obvio del camino. Sorpréndete.
12. ¿Por qué debo contar esto? ¿Cuál es la creencia quemándote por dentro de la cual se alimenta esta historia? Ese es el corazón de ella.
13. ¿Si fueras tu personaje en este momento, cómo te sentirías? La honestidad le da credibilidad a situaciones difíciles de creer.
14. Las coincidencias para meter en problemas a tus personajes, son geniales. Las coincidencias para sacarlos es hacer trampa.
15. ¿Cuál es la esencia de tu historia? ¿La mejor manera de contarla? Si sabes esto, puedes comenzar a construir a partir de ahí.

(CC) / texto extraido de "http://ediciongeek.com" / originalmente escrito por EMMA COATS (twitter: @lawnrocket)

Toy Story / Storyboard

(cc) PSICOTRAMPAS

Impresiones del Rodaje _ de Nicolás Alcalá

NICOLÁS ALCALÁ

Dirigir es una sensación extraña. Yo siempre comparo los días que dura un rodaje en el que soy director con una potente droga que dura horas. 

Es difícil explicar la sensación que se tiene cuando tienes un millón de detalles ante ti. Cuando eres responsable de cada color, piedra o suspiro que sucede entre los límites de tu encuadre. Cuando debes presionar a cada departamento para que llegue al límite de sus posibilidades. Cuando debes responder rápido y acertadamente a todas sus preguntas que llegan a ti de forma ininterrumpida desde primera hora de la mañana. Cuando tienes en tus manos el poder de manipular la reacción de tu actor, de provocar en su personaje sensaciones, tonos, inflexiones de la voz.

Es difícil explicar la sensación de poder que se tiene al tener tantos elementos en tus manos y ser una suerte de arquitecto que debe encajar todas las piezas.

Pero más difícil de explicar que esto y que esa adrenalina que se tiene durante un rodaje que te impide sentir dolor o cansancio, que te mantiene en permanente actividad durante horas y atento a cada milimétrico detalle, más difícil es conservar la cordura y evitar la tentación de compararse con una especie de dios antiguo y todopoderoso.

Tener un buen equipo ayuda mucho a ello ya que la creatividad se reparte y cada cual aporta su parte, introduce su sensibilidad y su pequeña vibración a cada momento.

Tener un buen equipo es crucial.

-Nicolás Alcalá-

Nicolás Alcalá _
Director de Cine y Emprendedor del Crowdfunding,
que con su película "El Cosmonauta"
cambió las reglas de creación distribución
y formas de negociar en la industria.

(CC) / texto extraido de www.elcosmonauta.es/blog/ escrito por Nicolás Alcalá

Una película producida por más de 5,000 personas

web del filme: http://es.cosmonautexperience.com/

(cc) PSICOTRAMPAS

The Ten-Minute Film School__ de Robert Rodriguez

Robert Rodriguez

Buenos días, clase.
Así que, ¿quieres ser Cineasta (Filmmaker)?
El primer paso para ser Director de Cine es dejar de decir que Quieres ser un Director de Cine.
Tu ya ERES Cineasta. En el momento en que decidiste serlo, automáticamente lo eres.
Comienza a hacer tarjetas de presentación que digan que eres Cineasta, repártelas con tus amigos; en cuanto hayas superado la barrera y te consideres a ti mismo como Cineasta, empezarás a pensar como uno de ellos.
No sueñes con llegar a ser Cineasta. Ya Eres Director de Cine.
Ahora, vayamos al grano!

Un famoso director de cine dijo hace mucho tiempo que "Todo lo que necesitas saber sobre hacer cine lo puedes aprender en una semana".
Estaba siendo demasiado generoso. Puedes aprenderlo en 10 minutos.
Ajusta tu reloj. Habremos acabado en 600 segundos.

Lo que tienes que aprender es que ser creativo no es lo único que cuenta en este negocio.
Tienes que convertirte en técnico.
La gente creativa tiene ese don de nacimiento. Si lo eres, tienes mucha suerte.
La gente técnica no puede nunca ser creativa. Es algo que nunca podrán tener. No se puede estudiar, no se encuentra y tampoco se puede comprar.
Uno nace con creatividad.
Demasiada gente creativa no quiere aprender a ser técnica, así que lo que suele ocurrir es que acaban dependiendo de los técnicos.
Aprende a ser técnico además de ser creativo.
La técnica sí que se aprende; y si combinas el ser creativo con ser técnico, seras imparable.

Experiencia
¿Tienes alguna experiencia en la industria del cine? Si, claro que la tienes: ves películas, ¿no?
Pero ahora tendrás que adquirir otro tipo de experiencia que no se tiene sólo viendo películas.
Toma una cámara. Haz tus propias películas.
Comete errores. Los errores son algo muy subjetivo. Hay errores que para otros son obras de arte. Esconde los errores detrás de esa barrera difusa. Cuéntale a todo el mundo que es Arte.
Los errores son parte de tu propia obra. No reniegues de ellos.

Todo empieza con un guión
¿Alguien sabe escribir? ¿No? Bien.
Todo el mundo escribe más o menos de la misma manera. Empieza a escribir a tu propia forma de ver las situaciones. Eso te hará único.
Puedes tomar clases de escritura, pero no te molestes en ir a las escuelas de cine para acabar haciendo películas como algún famoso director.
¡Queremos ver tus propias películas!

¿Cómo se escribe un guión?
Bueno, obviamente no tienes mucho presupuesto, ¿verdad?, o de lo contrario no estarías asistiendo a esta clase...
Así que quieres hacer una película sin presupuesto.
Te encontrarás con problemas a cada momento.
Puedes deshacerte de esos problemas de dos maneras: Creativamente o tirando de la manguera de dinero. No hay dinero, así que no hay manguera.
Así que vamos a crear un guión para una película que puedas hacer sin dejar a tus padres sin monedas.
Vamos a hacer una película barata!

¿Cómo se hace una película barata? 
Observa a tu alrededor, ¿Qué es lo que se encuentra?
Usa lo que tienes.
¿Que tu padre tiene un bar? Has una película sobre un bar.
¿Tienes un perro? Has una película sobre tu perro.
Si tu madre trabaja en una guardería, has una película sobre una guardería.

Cuando hice "El Mariachi" tenía una tortuga, una funda de guitarra, un pueblo:
Y decidí hacer una película con estos elementos.

¿Cómo puedo visualizar una película?
Con Storyboards. Puedes pre-visualizar tu película y dibujarla, pero lo que deberías hacer es poner tu cabeza en blanco y ver la película.
Cierra los ojos y quédate allí.
Imagina una pantalla, imagina tu película: Plano por plano, corte por corte. Quédate allí sentado, deshazte de todo lo externo, de todos los pensamientos que haya en tu cabeza excepto los que tengan que ver con tu película, y vela ahí. ¿Es demasiado lenta? ¿Demasiado rápida? ¿Es divertida? ¿Tiene sentido? Mírala y escribe lo que ves, los planos que ves. Y filma esos mismos planos.

Equipo Técnico
Vamos al equipo. Cuanto peor, mejor. No vas a usar nada que sea demasiado lujoso. Recordemos que es tu primer película, aún no eres Spielberg.
Para "El Mariachi" utilice una cámara 16mm, una 16S. Me ayudaba a moverme rápido porque era ligera; era muy ruidosa, así que el sonido se grabó de manera un poco absurda; pero esta cosa cuesta $2000 Dolares. No gastes el dinero en esto. Busca a alguien que te la preste. A mi me la prestó un tipo que no la
estaba usando en ese momento. La tome y filmé mi película.
(Apuntando a un pesado y sólido Tripod) Mira esto: Es un hermoso soporte, muy sólido, ¿Sabes que es lo que va a pasar? La cámara se va a quedar ahí, la vas a dejar ahí porque se ve cool la cámara puesta en este super tripod. Eso significa que tu película va a verse pesada, fija, anclada.
Sácala de ahí, siéntate en una silla de ruedas, que te empujen y has que se mueva, pon algo de energía en la película.
Esa es una de las grandes cosas de las primeras películas: Tienen tanta vida, tanta energía...
Las grandes producciones nunca podrán emular esa energía, porque tienen tripods demasiado buenos, hay demasiado equipo humano, y todo va realmente suave y pulido, y eso le quita vida.
  Añade vida a tu película deshaciéndote de los accesorios lujosos.
Aquí tienes un fotómetro. No es el de la bolita blanca, rompí el otro. Este es un medidor puntual (spotmeter). Está bien pero es demasiado lujoso. Lo que necesitas es ese modelo con la bolita blanca, apuntalo al sujeto, lee el número, observa la tabla de conversión (el fotómetro es un gran amigo), ajusta el foco y el diafragma, y ya está. Empieza a filmar!
No uses demasiada luz. En "El Mariachi" usábamos dos luces, bombillas normales, reguladas para luz interior, así que funcionaban bien.
Después, todo el mundo decía que la iluminación daba un ambiente triste porque había poca luz...
Tus errores, tus deficiencias se convierten de repente en expresión artística.

Finalmente, la Post-Producción
Cuando has acabado de filmar, ¿Qué haces?: (Robert Rodriguez toma un mezclador de video) Estos son tus amigos, amigo mío.
Los sistemas de edición de video, los sistemas de edición digital... son inmediatos. Es fácil. Es barato. No edites sobre la película. La película es tu enemiga. Puedes filmar en película pero no edites la película.
Si acaso tu quieres editar en película: salte de mi clase ahora mismo. Gástate $20.000 en una escuela de cine y hazlo. Pero nunca encontraras un trabajo. Créeme.
En la actualidad, todo se hace en computadoras o video. La película es lenta, y cuando es cara no es creativa... Se tarda demasiado.
Lo que hago es editar sobre video. Filmé "El Mariachi" por nada. Lo edité en video. Tenía un master en video de 3/4" precioso, porque transferimos directamente desde la película. Calidad 35mm. Limpio. Hice copias en VHS y las mandé a todo Hollywood. Nunca imprimí una copia en película.
(R.R. toma un trozo de película de cine) Una pérdida de dinero. Hay que empalmarla, tensarla, se degrada, es carísima de duplicar. El positivo se pone en cinta de video, donde es fácil de ver, duplicar y tener tus trabajos.

***
Ok. Ya hiciste tu película, has terminado de editarla, la mandaste a tus contactos de cine, y empiezas a recibir ofertas.
¿Qué haces? Lo primero es conseguir un agente. Enseguida! Hollywood está lleno de tiburones, contrata a uno que trabaje para ti. Estos tipos van y consiguen los mejores negocios, los mejores precios, te mandan las mejores películas.

Lo que has aprendido es algo que nadie más ha hecho. ¡Cómo hacer una película barata!
Nadie en Hollywood sabe cómo hacerlo. Tu eres quien puede hacer que las producciones sean baratas, y mejores. No dejes que el sistema te trague, saca partido de tu posición.
Personalmente, sigo haciendo películas de bajo presupuesto, que parecen de alto costo porque yo aprendí las técnicas que te he mostrado hoy.

Bueno, tengo que volver a mis películas, así que espero que hayas aprendido algo hoy.
Espero que tomes alguna de esas cámaras y filmes algo por ti mismo.
Espero que escribas las ideas que tienes, los sueños que tienes.
Basta de aspirar a algo, empieza a Serlo.

-Robert Rodriguez-

ROBERT RODRIGUEZ (1968-)
Director de Cine, Guionista, Productor, Músico...
Creador de "The Mariachi Trilogy"

(CC) / texto extraido del libro: "Rebel without a Crew" escrito por Robert Rodriguez.